Proyecto Video Final

Proyecto Video

Ausente

A lo largo del semestre comencé a interesarme en el tema del enajenamiento que existe cuando se pasa mucho tiempo en espacios virtuales. El primer sentimiento que me llevo a comenzar a cuestionarme al respecto, fue que llevo una relación a distancia con mi pareja, que se ha sustentado mediante la comunicación que existe gracias a los mensajes de texto, a las video- llamadas y a las interacciones en las redes sociales.

El sentimiento que era posterior al finalizar alguna charla por medio del “skype”, era la consciencia de mi propio cuerpo, como si éste se hubiese abstraído del espacio en el que me encontraba. De repente me encontraba en mi habitación después de ausentarla durante horas, volvía a una realidad temporal.  Pensé que era importante hablar de éste tema ya que la generación a la que pertenezco, mis amigos, y mis compañeros, de cierta forma se ven relacionados con éste fenómeno  que hoy vivimos, gracias a los avances tecnológicos que cada día son más accesibles casi a cualquier persona. En la “agonía del eros” de Byung-Chul Han, el filosofo sur-coreano habla sobre la depresión y explica cómo éste es una enfermedad narcisista. Ya que la depresión que hoy en día es más común en la generación se debe a la fatiga que tenemos de nosotros mismos.  El habla de cómo el eros que es la relación erótica y/o de amor que existe con el “otro” se ve en crisis por este enajenamiento que resulta de la supuesta eliminación de la negatividad. La distancia resulta negativa en el mundo contemporáneo, en donde se esta a unos “clicks” de poderse comunicar con el “otro”. Pero esta diferencia se borra ya que el “otro” se vuelve sólo una extensión de nosotros mismos. Esto tiene mucho sentido si pensamos que cuando se esta hablando con alguna persona por medio de una video-llamada o un mensaje de chat, el único sujeto corpóreo que esta ahí, somos nosotros. El “otro” al parecer siempre disponible, se convierte en objeto de consumo. 

“El Eros arranca al sujeto de sí mismo y lo conduce fuera, hacia el otro. En cambio, la depresión hace que se derrumbe en sí mismo. El actual sujeto narcisista del rendimiento está abocado, sobre todo, al éxito llevan consigo una confirmación del uno por el otro. Ahora bien, el otro, despojado de su alteridad, queda degradado a la condición de espejo del uno, al que confirma en su ego, aún más profundamente, al sujeto narcisista del rendimiento. Con ello se desarrolla una depresión del éxito. El sujeto depresivo del rendimiento se hunde y ahoga en sí mismo. En cambio, el Eros hace posible una experiencia del otro en su alteridad, que saca al uno de su infierno narcisista.” (La agonía del Eros, Byung Chul Han, pág. 11-12)

Planeación del video

- Las atmosferas que quiero crear es de abandono, en donde la fuente de luz principal es la de la pantalla de la computadora.

- En el video quiero utilizar el lenguaje en clave morse, en donde único sonido constante que será escuchado en toda la grabación es el “click” del mouse pad de la lap top, los clicks traducidos a clave morse, repitirán la palabra ausente, como si se debiera a un llamado de emergencia inconsciente de la persona que se encuentra en uso de la computadora.

- Las manos, la boca, el rostro, como partes del cuerpo que representan la identidad de una persona.

- La edición de una grabación de la pantalla y audio con mi computadora, que registra una conversación con mi pareja por Skype. La edición consistirá en la eliminación de esta otra persona, en donde yo misma mantendré una conversación conmigo.

- Usaré a otras dos personas para grabar las escenas que he dibujado previamente, he decidido incorporar a otros compañeros de mi generación, con la intención de no excluir y pensarme cómo la única afectada por estos tipos de relaciones.

Video Arte, Animación y Video experimental

Video Arte

El video y la animación experimental son posibles gracias a las Vanguardias que surgen durante el siglo XX y cómo esto mismo influye en la búsqueda de artistas y cineastas en la inquietud de crear un cine experimental. En donde las historias no fueran narradas de forma lineal, si no que se ampliaran las temáticas discursivas por medio de otras soluciones formales dentro del video. 

Animación experimental

La animación experimental comienza a partir de la experiencia de que al observarla no se obtenga un mensaje conciso, si no que es una inmersión de sentidos, en el que el audio y la imagen, se sirvan una de la otra, para conformar la pieza en su totalidad. Los principios de la animación experimental que observamos con Fishinger, afirma este principio de la animación experimental. Las figuras y/o los protagonistas de sus videos constan de punto y línea, y su composición dentro del cuadro constan de un ritmo que cambia conforme a las notas musicales. Creo que esto siempre ha sido visible en el cine, pero de forma más obvia, en cuanto a que el sonido juega un papel muy importante al observar la acción de un personaje. Para sumergirte en esa experiencia, debe de haber un sentido que te atrape. Los movimientos que vemos en pantalla debe ir acorde al sonido que estos mismos movimientos suelen producir. El movimiento se da a partir de deslizamiento de cuerpos sobre un espacio, y las consecuencias de esto, son los sonidos que reafirma el choque de estos dos elementos. Para que exista movimiento debe de haber un sujeto y un espacio. Siento que  es muy evidente la herencia de Fishinger dentro de la animación que en años muy posteriores a el, se hizo en las películas de Disney. En cuanto a la composición de módulos.

 

Video experimental

Hay una delgada línea que me resulta difusa al tratar de diferenciar el video experimental y el video arte, en que momento algún video pasa de experimento a obra ya consagrada de video arte? El video arte ya utiliza un lenguaje especifico y el video experimental se arriesga a ir más allá? Investigando me di cuenta que no eran cosas diferentes, si no que el video arte engloba  la animación experimental, el video experimental, el video instalación o video escultura y el video-acción. Este último consta de performances que involucran al público y se sirve del registro para constatar dichas acciones. En los años 60 comienza el video arte, y al principio se trataba de una exploración que unía a la cámara con el cuerpo, era la extensión del ojo humano.  A pesar de que todas las vertientes del video arte, se parecen unas con otras por usar el mismo medio, el video experimental se diferencia en que trata de hacer una exploración en cuanto a decisiones formales se refiere, no convencionales dentro de la edición, el medio de grabación y hasta composición, incluso también dentro del sonido que acompaña el video. Por ejemplo Steina Vasulka, en la pieza "Noisfields", utiliza la edición cómo principal herramienta que compone la obra entera, incluso podría confundirse con alguna animación. "Noisfields" en contraste con "Semiotic of the kitchen" de Martha Rosler, la acción es el principal elemento de la pieza, y el video es la plataforma de ésta. Puede pensarse también cómo video acción, porque el medio video es el registro del performance. En la pieza "Three transitions" de Peter campus, a primera instancia pareciera, que todo consiste en una exploración del medio, y de las posibilidades que el Croma Key brindan en ese momento para la creación de imágenes nuevas e interesantes, ya que abren la interpretación al parecer no estar sustentadas por un concepto. 

Koyaanisqatsi

Koyaanisqatsi

¿Quienes son lo hombres de las sombras? Al ver la película se me hizo muy interesante la transición de tomas que ocurre de principio a fin, creo que esa decisión formal permite la claridad en la interpretación del espectador.  Es este desgaste, la aglomeración paulatina de elementos dentro de las tomas, que nos permite reflexionar acerca del estilo de vida del que nadie se escapa. Creo que algo que también es puntual a la hora de observar esta película, es que sin tener algún guión, nos genera mucho sentido a todos y nos transmite ese sentimiento, sensación o pensar que nos conecta en la colectividad por medio de una problemática que nos acontece a todos a diario y de la que es imposible no sentirse reflejados o identificados. Para mi el cohete es una analogía, el cohete es el proyecto del hombre para el hombre, que se ve frustrado en su intento de encontrar la forma de expandir sus territorios, que no está listo para despegar y que debe ser pensado nuevamente y replanteado a partir de la contemplación, observación del mundo en el que se encuentra sumergido. Cuando ves alguna pieza artística, te gusta realmente a medida que te sientas identificado o reflejado en ella, puesto que representa la apertura hacia un grado más allá de reflexión y cuestionamientos sobre ti mismo. A mi punto de vista otro elemento que me parece importante resaltar es esta mirada hacia la vida cotidiana que resulta común, pero en esta costumbre esta el terror, en esta normalización del cansancio, de la comida hiper alterada, de la forma de transporte y de la sobrepoblación, en lo cotidiano esta el terror. Es la mirada a cada detalle de nuestro contexto, ya que estos indicios no sólo se pueden encontrar en el deterioro y cambio en los ecosistemas de la tierra, si no en cada aspecto que nos rodea. Esta película que no cuenta con una historia lineal Justo en estos últimos días me había cuestionado mucho al respecto, ya que el trayecto del que forma gran parte en mi vida cotidiana, es esté transporte de mi casa a la escuela, en que siempre es común observar en la semblanza del que tienes enfrente, de forma obligatoria (por el espacio reducido de la unidad) cansancio; Muchos se van durmiendo, otros están ensimismados en su celular, otros se encuentran sólo escuchando música, muy pocos leen o están realmente sin hacer nada pero mucho si se encuentran pensando, también es muy común ir desayunando o tomando ese no-es-café que te levanta, pero por el grado inhumano de azúcar que tiene, te mantiene brevemente despierto, para que después tu cuerpo te pida de manera inmediata una dosis aun más grande que la anterior.

La historia de Lisboa
La importancia del sonido.
Breve comentario. Muy breve.
En la versión de la película que yo vi, se podía notar que el sonido y el lenguaje era idioma Inglés y portugués, sin embargo, la película estaba doblada en Ruso y creo que eso abre la posibilidad de una interpretación diferente a la que alguien que vio el film original puede tener. Esa es la importancia del sonido en cuanto al lenguaje, ambos audios estaba interfiriendo con el mensaje. Lo que no se puede doblar, es el sonido en general, el sonido de los claxons, del agua, de los pasos, de los instrumentos y la música que crean, el sonido es universal y no necesita traducción.

Tarea para el 1ro de Septiembre.

Capitulo II 

Los films de Lumiere y de Mélies

Cuando Sadoul describe los primero films de Lumière, en los que se retrataba la cotidianidad dentro de las vidas de las familias, me vi de cierta forma identificada ya que el hecho de que mi padre hubiese adquirido una cámara se dio al deseo de registrar y poder recordar el crecimiento de sus hijos y de su familia. No muy diferente, a primera instancia, de la visión que Lumiere hizo presente al usar el cinematógrafo para captar las imágenes en movimientos de su propia familia. Desde escenas de la cotidianidad, anécdotas cómicas y eventos registrados y mostrados tiempo después cómo noticia, el cinematógrafo era el medio para “recrear la vida”. La maquina, o el invento siempre ha sido una extensión de la humanidad, que no sólo gira en torno a intereses económicos, o puede que sí, pero hace evidente cuestiones que van más allá de lo superfluo, de lo inmediato. El temor a olvidar, y por ende a ser olvidado. La acción de grabar le asigna un sentido de importancia a cualquier acción. La ímpetu del hombre por crear un aparato que pudiese capturar por medio de la imagen todo aquello relevante para el hombre, el hombre en sí.  A través del lente el hombre esta condicionado a practicar la observación. El cinematógrafo representó una herramienta para contar historias, con un realismo más cercano que a los gestualidad un tanto exagerada que era propia del teatro, aunque en un principio no se haya sido del todo consciente de crear este tipo de tomas, en el que existe un acercamiento que te permite identificarte con la otra persona. Algo que si sucede con Mélies, ya hay un puesta en escena y una exploración temática en torno al film.

Capitulo II de "La historia del cine mudo."

Es casi increíble imaginar que el nacimiento del cine fue casi desapercibido si lo comparamos con el hecho de que en la actualidad, el estreno de una película es todo un suceso. Es la experiencia de esperarla, de ser el primero en verla, se ha vuelto a una pequeña escala, en una razón para seguir viviendo. El cine comercial es como un escape, un escape que te envuelve en algún problema del que eres testigo pero casi nunca el afectado. Te lleva a otras realidades. Algo que se me quedó mucho de ésta lectura fue que es inútil buscar un nombre al cual se le amerite la creación de este gran fenómeno. Puesto que lo importante es, más allá de la persona, es la razón, el contexto, en el que se propició y definitivamente aún más importante, es que existe y que no es mejor que ninguna otra arte, es igual de importante puesto que es distinto y que sus posibilidades son diferentes. Pienso todo cómo un conjunto que engloba y que se nutre de todas aquellas expresiones que se sirven de símbolo, para que de cierta forma, se impregne en la historia del hombre, el hombre mismo. Ninguna historia puede entenderse de forma lineal, debido a que se descartarían todos aquellos sucesos que se influencian constantemente, y que estrechan relación a pesar de que estén tan distantes el uno con el otro.

Comparación entre “Broken Blossom (1919)” y el “Hombre de la cámara (1929)”

Ambas películas en blanco y negro tiene diferencias sustanciales. El hombre de la cámara por un lado se muestra más experimental, sin cuadros de texto, cada toma funciona y en conjunto es capaz de hacernos reflexionar en torno a la vida cotidiana que transcurre en una ciudad en pleno auge, y cómo el movimiento, el sentido del movimiento es indispensable para hacernos entender lo que estamos viendo. En el hombre de la cámara las tomas varían, y hay una intención de jugar con ellas, y que en ese lapso el espectador se vea en envuelto por la imagen. En “broken blossom” no existen más que tres tipos de tomas, y la gestualidad de los personajes es muy marcada porque se desea que el espectador entiende lo más posible lo que está sucediendo tratando, tal vez, de compensar la falta de sonido. La historia gira en torno a tres personajes, y 4 escenografías. Del otro lado, en el hombre de la cámara, parece que no hay actores, ni espacios montados para la grabación. En algo que ambas películas se parecen es que la mujer es una figura importante dentro del film. Los personajes y la actuación de los actores aún se ve marcada con el antecedente de que el cine se sirvió del teatro. El cambio de escena a escena, en “broken blossom” es muy evidente, y la atmosfera es levemente recreada a partir de colores tenues que nos ayudan a comprender el espacio de manera más sensible, en cuanto a que nos transmiten y nos da la sensación de oscuridad, día, exterior e interior. “Broken Blossom” es un dramón, que puede crear una reflexión desde una mirada hacia las relaciones personales y sociales. Juega con la psicología del personaje y existe una profundización o entendimiento  por parte del espectador hacia los protagonistas, en el que se nos permite capaz de comprender la razón de ser de cada uno.  En el hombre de la cámara no hay protagonista alguno,  pero de igual forma se profundiza en aspectos sociales en términos más generales, en cuanto a que se muestra la diferencia de clases, y las personas que forman parte de un todo.